Art Revival
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La fée au nénuphar par Maurice Bouval

2500 €


La fée au nénuphar, coupe en bronze par Maurice Bouval Elève de Falguière, Maurice Bouval est un sculpteur actif entre les années 1880 et la Première Guerre Mondiale. Reconnu pour ses bronzes délicats et ses objets décoratifs, il fut un membre de la Société des Artistes Français et participa notamment à l'Exposition Universelle de 1900. Son oeuvre est tout à fait caractéristique de l'art nouveau, où la figure féminine et l'inspiration de la nature occupent une place centrale. L'oeuvre que nous présentons, Coupe à la fée au nénuphar, illustre parfaitement le raffinement et la poésie de l'artiste. Une fée délicatement sculptée en bas relief repose au coeur d'un nénuphar dont la tige sert d'anse élégante à l'objet. Cette coupe combine l’harmonie entre esthétisme et fonctionnalité, incarnant parfaitement l’esprit de l’Art Nouveau et le décloisonnement des arts.   for sale in Arts décoratifs et mobilier | Art Revival

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Address:
15, rue du Fort ,
1060 Bruxelles
Region: Brussel
Country: Belgium
Tel.: +32 (0)4 56 24 15 43
E-mail: artrevivalsarl@gmail.com
Website: www.artrevival.eu
La fée au nénuphar par Maurice Bouval

La fée au nénuphar par Maurice Bouval

La fée au nénuphar, coupe en bronze par Maurice Bouval

Elève de Falguière, Maurice Bouval est un sculpteur actif entre les années 1880 et la Première Guerre Mondiale. Reconnu pour ses bronzes délicats et ses objets décoratifs, il fut un membre de la Société des Artistes Français et participa notamment à l'Exposition Universelle de 1900. Son oeuvre est tout à fait caractéristique de l'art nouveau, où la figure féminine et l'inspiration de la nature occupent une place centrale.
L'oeuvre que nous présentons, Coupe à la fée au nénuphar, illustre parfaitement le raffinement et la poésie de l'artiste. Une fée délicatement sculptée en bas relief repose au coeur d'un nénuphar dont la tige sert d'anse élégante à l'objet. Cette coupe combine l’harmonie entre esthétisme et fonctionnalité, incarnant parfaitement l’esprit de l’Art Nouveau et le décloisonnement des arts.

 

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Portrait de Louis Hesselin par Robert Nanteuil

Portrait de Louis Hesselin par Robert Nanteuil

Portrait de Louis Hesselin, gravure par Robert Nanteuil

Dessinateur et graveur, Robert Nanteuil est l'un des portraitistes les plus appréciés du règne de Louis XIV. Il fit les portraits des personnages les plus influents de son temps, comme Louis XIV, Mazarin, Richelieu, le Grand Condé.
Né à Reims vers 1623, il se forme à la gravure auprès de Nicolas Regnesson dont il épouse la soeur et s'installe à Paris où il rencontre Philippe de Champaigne et Abraham Bosse. L'influence du travail de Claude Mellan est évidente et il est nommé dessinateur et graveur ordinaire du Roi en 1658. Il n'a de cesse de représenter tous les grands acteurs de la Cour et ses portraits sont très demandés. Il réussit toujours à rendre la justesse de la psychologie de son sujet dans un rendu d'une fidélité à la nature époustouflante.
Le portrait que nous présentons est celui de Louis Hesselin, conseiller d'Etat et Maître d'Hôtel du Roi de la Chambre aux Deniers. Distingué par une fidélité forte au Roi, même pendant la Fronde, il fut aussi un grand promoteur des Ballets qu'il contribua à en faire un instrument de prestige politique. Grand mécène, il était proche de nombreux artistes d'envergure, tels que Charles Le Brun ou Jacques Sarrazin, qui participèrent à la décoration de son Château de Chantemerle.

Ce portrait saisissant exprime pleinement l'esprit vif et la profondeur de caractère de Louis Hesselin. Robert Nanteuil utilise magistralement toute la gamme des techniques de gravure : volutes pour les cheveux, minuscules incisions pour rendre la délicatesse de la dentelle, et sublime absence de lignes dans les yeux, créant un regard intense.
Le MET de New York possède une estampe similaire (n° : 2001.647.25).

 

Dimensions du cadre : 30,5x23cm
Dimensions de la feuille : 21x28.6cm

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La Destinée par Antoine-Auguste Thivet

La Destinée par Antoine-Auguste Thivet

La destinée, huile sur toile par Antoine-Auguste Thivet

Antoine-Auguste Thivet, fils de peintre, se forme à l'Académie des Beaux-Arts de Paris, notamment dans l'atelier de Jean-Léon Gérôme. Il expose à partir de 1877 au Salon de Paris et devient membre de la Société des Artistes Français. Il peint des sujets variés comme des scènes orientalistes, des portraits (mentionnons le portrait de Jeanne Rozerot) et aussi des scènes de genre. 
Le tableau que nous présentons fut présenté au Salon de 1893, inscrit au numéro 1692 dans le catalogue officiel (il n'est cependant pas reproduit). Il représente une femme voilée, le torse nu, fixant intensément le spectateur, tenant dans une main un crâne, l'autre main pointant un livre ouvert. L'oeuvre illustre parfaitement le goût de l'artiste pour la figure féminine, traitée ici de manière allégorique. L'expressivité de la peinture et la quasi absence de décor concentrent le regard sur le sujet, hautement symboliste, de la prédestination et de la mort.

Infimes manques à la couche picturale et petit enfoncement en haut de la toile (voir photos).

 

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Flacon Epi de Maïs, Manufacture de Sèvres

Flacon Epi de Maïs, Manufacture de Sèvres

Flacon “Épi de maïs”, Manufacture de Sèvres

Flacon en porcelaine émaillée, modèle créé par Henri Brécy, actif à Sèvres entre 1881 et 1928. Porte le cachet de la manufacture avec la date 1898.

Ce modèle fut présenté à l'Exposition Universelle de Paris en 1900. Le jeu subtil des couleurs et la finesse de la porcelaine servent à merveille ce flacon naturaliste, presque trompe-l’œil.

Un exemplaire similaire est reproduit dans L’Art Décoratif de 1900, ainsi qu’une paire mentionnée dans l’ouvrage de Paul Arthur, The Magic of Sèvres, 1900 (p. 40), en collaboration avec la Robert Zehill Gallery.

 

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Etagère par Emile Gallé

Etagère par Emile Gallé
Vase par Jean Serrière

Vase par Jean Serrière

Vase en dinanderie martelé à décor de vignes en métal argenté par Jean Serrière, signé des initiales de l'artiste J.S et cachet de fondeur A. Hebrard Paris 

 

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Femme courge par François-Rupert Carabin

Femme courge par François-Rupert Carabin

Femme courge, pot couvert en céramique émaillée par François-Rupert Carabin.

François-Rupert Carabin (1862-1932) est l’un des artistes les plus emblématiques de la Belle Époque et de l’Art Nouveau français. Né à Saverne mais formé à Paris, Carabin emprunte dès ses débuts un parcours artistique multiple : sculpture, mobilier sculpté, médailleur, photographie, mais aussi céramique.
Son œuvre reflète un génie protéiforme, mêlant un goût prononcé pour la figure  féminine à une inspiration puisée dans la nature. Carabin cherchait sans cesse à dépasser les frontières entre les arts décoratifs, le mobilier, la sculpture et les arts appliqués, dans l’idée d’une œuvre totale. Cet engagement et cette vision sur la réflexion sur l'art l'amène à devenir professeur à l'Ecole Supérieur des Arts décoratifs de Strasbourg et notamment à échanger avec Le Corbusier.

Le pot couvert Femme Courge est une oeuvre emblématique de l'art de Carabin. La céramique, animée d’un émail aux teintes subtiles, donne vie aux formes et souligne la sensualité du modelé. Ici, la frontière entre art et art décoratif s’efface avec poésie, tout comme celle qui sépare la figure humaine du végétal. Carabin y exprime pleinement sa vision : une œuvre où se conjuguent sensualité, préciosité, nature et fonction, dans un équilibre d’une grande finesse.

 

 

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Vase aux vignes par Georges Despret

Vase aux vignes par Georges Despret

Vase aux vignes par Georges Despret.

Destiné dès son plus jeune âge au métier de verrier par son environnement familial, Despret conjugue une approche scientifique et une sensibilité de créateur à son art. Ingénieur de formation, industriel de renom, son art fut la quête du secret de la pâte de verre de la Rome Antique (les murrhins).
La consécration fut atteinte en 1900, lors de l'Exposition Universelle de Paris, où ses oeuvres reçurent les louanges de la critique.

 

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Portrait de jeune femme de profil par David Oyens

Portrait de jeune femme de profil par David Oyens

Portrait de jeune femme, aquarelle par David Oyens

David Oyens (1842-1902) est issu d'une famille de banquiers d'Amsterdam. Lui et son frère jumeau Pieter sont encouragés par leur mère à suivre un enseignement artistique. En 1860, ils s'installent à Bruxelles et entrent dans l'atelier du peintre Jean-François Portaels. Ils partagent un atelier à Saint-Josse-ten-Noode et travaillent souvent côte à côte, posant l'un pour l'autre.
Ils se spécialisent dans les portraits, les scènes de genre et les intérieurs bourgeois, souvent empreints d'une intimité douce et d'une atmosphère feutrée. Camille Lemonnier, célèbre critique et poète, ne fut pas le seul à louer leur travail car David remporte en 1880 une médaille d'or au Salon Triennal de Bruxelles.
Ils reçoivent de nombreuses commandes, exposent à l'Exposition Universelle de 1889 et certaines de leurs oeuvres entrent dans les collections publiques.
David Oyens peint inlassablement depuis son atelier cette « frivolité mélancolique » propre à la vie bourgeoise du XIXᵉ siècle. Son univers pictural évoque une certaine forme de dandysme où l'attention au geste, à la tenue et au raffinement s'expriment aussi bien dans les sujets que dans le traitement de son art.

L'aquarelle représente une jeune femme de profil, saisie dans une attitude calme et recueillie, esquissant un léger sourire. Le cadrage serré renforce l'intimité de la scène et la proximité avec le modèle.
L’oreille, placée au cœur de la composition et nuancée d’une subtile chaleur rosée, devient le point d’ancrage du portrait : symbole discret d’attention et de présence, elle contraste avec le modelé du visage qui se dissout dans un lavis doux et vaporeux.

Dimensions du cadre : 38x34cm

 

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Cache-pot par André Metthey

Cache-pot par André Metthey

Cache-pot à fond ocre par André Metthey

Figure majeure du renouveau de la céramique française au tournant du XXème siècle, André Metthey occupe une place importante dans l'histoire des arts décoratifs.
Il débute à un jeune âge chez un marbrier et suit des cours de dessin industriel aux Beaux-Arts de Dijon avant de gagner Paris avec sa famille. En 1901, il s'installe à Asnières où il mène des recherches pionnières sur les émaux, la couleur et la terre cuite vernissée.
Vers 1906 et sous l'impulsion du marchand Ambroise Vollard, l'idée d'éditer des céramiques artistiques en collaboration avec de nombreux artistes fauves émerge. Son atelier accueille ainsi Matisse, Derain, Vlaminck ou encore Rouault qui donnderont de remarquables épreuves en céramique, répondant au besoin du temps, de brouiller la frontière entre arts majeurs et décoratifs.
En 1909, il obtient la consécration avec une exposition personnelle au Musée Galliera et une réception très favorable par la critique, qui l'encourage dans sa passion du feu.

Le cache-pot que nous présentons est typique des recherches esthétiques d'André Metthey des années 1909-1914 où il perfectionne ses terres vernissées. Sur un fond ocré, se déploient un feuillage stylisé en de couleur rouge, entrecoupé de coulures d'émail noir. Ce registre décoratif, à la fois libre et maîtrisé, atteste de l’attention de Metthey pour les ornements répétitifs inspirés autant des arts populaires que de l’esthétique moderniste.

Notre cache-pot est à rapprocher de celui du Musée de la Ville de Grenoble, inv. MG2272 issu du legs Aguttes-Sembat en 1923

 

 

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La clairière par Georges de Feure

La clairière par Georges de Feure

La clairière par Georges de Feure, techniques mixtes sur papier, signé de Feure en bas à droite.

 

Georges de Feure (1868–1943), né Georges Joseph van Sluÿters, compte parmi les créateurs les plus raffinés de l’Art nouveau français. Peintre, décorateur, affichiste et concepteur de mobilier, il accède à une notoriété internationale grâce à sa participation au Pavillon de l’Art Nouveau de Siegfried Bing lors de l’Exposition universelle de 1900. Son œuvre, profondément marquée par le symbolisme, se distingue par une poésie subtile, des atmosphères vaporeuses et une sensibilité décorative unique.

La présente aquarelle, figurant une clairière traversée d’une lumière diaphane, illustre parfaitement cette recherche d’atmosphères oniriques. Par le jeu délicat des lavis, les transparences superposées et les harmonies de verts et de bleus, de Feure crée un paysage presque immatériel, où la nature semble s’éveiller en silence. Plus qu’un simple motif naturaliste, cette clairière s’inscrit dans l’univers symboliste de l’artiste : un espace suspendu, enveloppé de mystère et propice à la rêverie.

Dimensions du cadre : 47x48 cm

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Vase aux étoiles par Jules Habert-Dys

Vase aux étoiles par Jules Habert-Dys

Vase en verre soufflé et gravé d’après un modèle de Jules Habert-Dys, réalisé dans les ateliers de la verrerie de Pantin. La forme ovoïde, surmontée d’un col élancé, est mise en valeur par un délicat dégradé allant du gris bleuté satiné au brun chaud.

Le décor, obtenu par dégagement à l’acide et taille dans le verre, présente une frise d’étoiles à huit branches sous le col, suivie d’une succession de motifs texturés et légèrement en relief..

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